Resenha: Xentrix – “Allied with the Enemy” (2026)
Adivinha, “dotô”, quem tá de volta na praça? Xentrix e a esquadrilha da desgraça! O ano de 2026 não está mesmo para brincadeira! Vários figurões do Thrash lançaram material novo e a maioria se deu bem. Em contrapartida, alguns nomes conhecidos não se deram tão bem assim. Teve banda que retirou single novo das plataformas digitais, visto que não foi recebido como se esperava.
Bem, esse último caso passa longe da área dominada pelos ingleses do Xentrix, demonstrando bastante consistência após o retorno definitivo às atividades. Posso dizer, com toda a certeza, que esse é o melhor momento da banda. Seria “Allied with the Enemy” o melhor trabalho desde a volta aos serviços em prol do Metal? Talvez seja cedo para definir isso, já que o disco ainda precisa passar pelo estado de maturação. Contudo, creio que o novo álbum possa render sons que fixem no setlist para as apresentações ao vivo. Afinal, várias faixas se enquadrariam e encaixariam bem em uma performance ao vivo. Tanto que isso merece ser mencionado logo de antemão.
Comparo o Xentrix ao Exumer, embora cada banda tenha suas características específicas, na questão da retomada e do sucesso produtivo, pois nenhuma das bandas citadas possui trabalhos abaixo da média desde que reacenderam os seus holofotes. Tudo bem que ainda temos os medalhões do Thrash lançando discos nos últimos anos. Mesmo assim, o segundo e terceiro escalões da desgraceira sonora estão bastante ativos e prontos para incomodar os preguiçosos de plantão.
Agora, antes de destacarmos o que de melhor temos no álbum novo dos britânicos, veremos quem ajudou a conceber o sétimo trabalho de estúdio dos caras.
Ficha criminal do novo artefato sonoro do Xentrix
O renomado produtor britânico Andy Sneap assina novamente a produção do álbum. Ele já trabalhou com a banda nos elogiados discos de retorno “Bury the Pain” (2019) e “Seven Words” (2022). Além disso, o profissional é conhecido por seus trabalhos com gigantes do calibre de Judas Priest, Megadeth e Testament.
Os músicos realizaram os trabalhos de estúdio entre o final de 2025 e o início de 2026. Para isso, a banda utilizou o tradicional Backstage Studios, na Inglaterra. Posteriormente, o quarteto gravou sessões adicionais no Echo Base Studio.
A assinatura de Sneap traz uma sonoridade limpa, potente e de alta definição como marca registrada. Dessa forma, o produtor valoriza o peso bruto das guitarras e a agressividade da cozinha rítmica. Por fim, o profissional mantém a clareza individual de cada instrumento. Para completar o projeto, o artista Dan Goldsworthy criou a arte da capa.
De acordo com o próprio Xentrix, “Allied With the Enemy” representa:
“Musicalmente, ‘Allied With the Enemy’ é o XENTRIX em sua força máxima — melódico quando quer ser, atmosférico quando necessário e absolutamente devastador quando a vontade surge. O álbum traz o Metal de volta ao Thrash, descartando o lixo e reforçando a agressividade característica da banda.
Liricamente, o álbum corta com intenção. Temas como desinformação, popularidade cega, colapso social e pessoal e auto-preconceito permeiam o disco com clareza e convicção. Esta não é uma audição leve — é música que exige atenção e recompensa aqueles que querem algo em que pensar.
Se você anseia por Thrash com propósito, peso e inteligência, ‘Allied With the Enemy’ está pronto para arrancar sua cabeça.”
Esse resumo oficial, portanto, cabe como uma boa ponte para melhor entender a trama dos soldados britânicos.
Sobre o conceito central de “Allied with the Enemy”, ele gira em torno da ameaça oculta e da perda de controle — seja no nível psicológico individual (o inimigo interno, a loucura e a traição) ou no nível macrossocial (o colapso ambiental, o autoritarismo e o bombardeio midiático).
Diante desse molho amplamente atual, o Xentrix construiu um disco sombrio, urgente e altamente reflexivo. As letras fogem do clichê do ódio gratuito e mergulham no horror psicológico e em metáforas inteligentes. O álbum funciona como um espelho incômodo da paranoia e da ansiedade dos anos 2020, consolidando a banda não apenas como uma potência instrumental, mas como um grupo de compositores perspicazes que sabem traduzir a “desgraceira sonora” em crônicas ácidas sobre a condição humana.
Se aliando ao inimigo através de um álbum direto e agressivo
Temos à mesa um resumo dos temas, a direção musical e o alinhamento da proposta. Entretanto, apenas isso não mostra como realmente o disco é. Portanto, vamos logo confirmar essa expectativa gerada.
A abertura do álbum é um forte cartão de visitas, tendo o baterista Dennis Gasser em primeiro plano para desempenhar o papel de sargento condutor da tropa. “Rip Saw” foi projetada para ditar o ritmo energético e agressivo do álbum logo nos primeiros segundos, incluindo um prenúncio narrado com aquele suspense tradicional. Conforme mencionado, o ritmo acelerado após os solos iniciais propicia um caminho livre para o refrão reverberar e cair no gosto do ouvinte.
Você sente a firmeza entre as emendas musicais, com cada engrenagem contribuindo para um ímpeto ainda maior. Os riffs bem elaborados reforçam a abordagem sobre a alienação industrial, a rotina esmagadora do mundo moderno e a sensação de ser triturado por um sistema socioeconômico impiedoso. Toda a estrutura é enfeitada por ótimos solos e acobertada por uma base de sustentação impiedosa. Início de jornada que empolga e te deixa ávido para conferir o próximo capítulo dessa bíblia musical. Isso sem mencionar o trecho melódico após os solos e os riffs antes da remontada final que lembra e muito o Kreator.
A aliança que gera bons resultados… Ou não…
A faixa-título surge logo na segunda curva da pista sendo o principal single do álbum, e que resume perfeitamente a proposta de peso e consistência técnica da banda. Confesso que, a partir da primeira audição, percebi uma crescente bem destacável durante a jornada, colocando essa música como um capítulo de qualidade ainda maior. No entanto, ao ouvir tudo novamente, minha opinião anterior foi para o caralho e acabei gostando de ambas por igual.
Um fato curioso e gratificante é que o conteúdo da faixa “Allied with the Enemy” está relacionado à franquia de filmes Alien. Os primeiros acordes te deixam sufocado e paralisando a ponto de entrar em coma ao ser vítima da música alienígena. Seu andamento explora um caminho constante, de velocidade média galopante, e um ar denso e lacerante. O medo de carregar a própria ruína e o inimigo dentro de si abre o confronte de ideias e questionamentos sobre diversas situações e atitudes que deveriam ou não ser apoiadas. A autotraição e a manipulação psicológica soam como rotores providenciais para elevar os solos e o peso do refrão. Além também, da parte final com o ruído clássico e conhecido pelos fãs da franquia.
“Corpos nas paredes, ambientes abusados
A aflição pesa sobre você
Substituto agora e logo estará cheio até o pescoço
Sua ruína aliviará o peso do seu peito
Em breve estará morto
O equilíbrio destruído, sem escolha para extravasar a raiva
Evolução, biocídio, controle ou genocídio?A contagem de corpos aumentou, o inferno desencadeado
Sufocado antes de ser paralisado
O que você precisa antes de perceber que está aliado ao inimigo?Grite e você estará morto”
Quem é o assassino e quem será a próxima vítima?
“Killer Unknown”, como o próprio nome diz, é uma música questiona a ameaça invisível dos assassinos em série, ao mesmo tempo em que aborda o rastro de medo, paranoia e espanto na sociedade. Tudo isso, muito por conta dos crimes não solucionados. A busca por provas e a completa identificação do demônio sem alma é orquestrada pela pegada clássica do Thrash britânico com riffs marcantes.
Contudo, devemos mencionar a densidade do contrabaixo de Chris Shires, patrono da intro desse som. Riffs com palhetadas fortes e decisivas tornam a música mais ásperas a ponto de incomodar seres em outras “quebradas” longe da região buscada do mapa. Jay Walsh alia forças com Kristian Havard e as linhas – contando bases e solos – soam como um arsenal completo movido ao puro Metal. Isso sem contar o seu vocal hetfieldiano, principalmente nos trechos menos velozes, mas com todas as suas características originais.
Os desastres da humanidade
A quarta faixa quebra o ritmo de forma proposital, apresentando em seu princípio um dedilhado acústico melódico de média tensão. As guitarras assumem essa receita, aumentam a tensão e formam as iniciais de riffs introdutórios, com o efeito tradicional de chamado ao público ouvinte. “On Burned Remains” inicia a jornada através de um ritmo impactante, onde o desempenho dos músicos a tornam mais imprevisível do que possa parecer. A música trabalha dinâmicas de ritmo interessantes e uma cozinha de baixo e bateria muito pesada. Além dos tempos mais agressivos, melodias muito bem inseridas unem-se a toda a intensidade distribuída por cada camada sonora. Os soldados britânicos executam solos precisos e aproveitam bem o espaço oferecido pelo som, que carrega em seu ventre uma narrativa pós-apocalíptica a qual descreve o que resta da humanidade após o baixar da poeira.
A poesia descreve uma narrativa pós-apocalíptica de arrependimento por algo provocado, como um desejo de que o evento nunca tivesse acontecido. No entanto, o eu lírico responsabiliza quem realmente pensa dessa forma. O texto diz às claras: determinada pessoa quer a guerra, mas rejeita fazer parte dela.
Se algum desastre a afeta, essa pessoa passa a desejar que nada disso tivesse ocorrido. Esse comportamento reflete o pensamento de grande parcela da população. Contudo, quase ninguém assume tal posição no dia a dia. Trata-se da típica hipocrisia de uma sociedade de cérebro derretido.
Retroalimentação de mentiras
O próximo som remete aos trabalhos clássicos, com destaque para o excelente “For Whose Advantage?” (1990). Embora possua características bastante atuais, “Nil by Mouth” é um verdadeiro soco no estômago com a força do segundo álbum da banda. O impacto é notório e te acorda para sequência da jornada, se não o tontear e o fizer perder a luta logo no início da música.
O som é direto e focado na agressividade vocal de Jay Walsh, enquanto a sua guitarra e a de seu parceiro, Kristian Havard, rosnam ferozes nos alto-falantes. O refrão possui a pujança necessária, e a elevação até os solos faz qualquer atleta da São Silvestre se cansar só de ouvir. A sustentação provocada pela cozinha inglesa é essencial para a manutenção do ímpeto e da pegada dessa ótima faixa. O mosh incendeia a partir dos solos velozes, muito bem acompanhados pelas bases incessantes. Aqui, portanto, não há tempo para brincadeira, e o assunto ligado a ela pede por algo mais insano.
Essa insanidade sonora percorre os mares da desinformação, da perda da liberdade de expressão e da forma como as pessoas consomem passivamente narrativas mastigadas pela grande mídia. Isso sem contar os quase infinitos recortes de notícias forjadas, jogadas aos montes em grupos de aplicativos, como o próprio WhatsApp, por exemplo.
Armadilha do pessimismo
“Doomsday Hook” marca o ponto central do disco, apresentando riffs cortados e por ora cadenciados, ideais para a resposta do público ao vivo. Nos momentos mais energéticos, que representam as pontes para o refrão, surgem levadas mais intensas, dando um ar de montanha-russa dentro da faixa. Quando pega no breu, combina bem com o momento de retomada do próprio refrão, que emenda em solos que despencam do arranha-céu e ganha ares atuais em questão de conjectura sonora.
Os versos acompanham as notas e preenchem os vazios com a turma do juízo final. Ou seja, trata-se do vício coletivo em notícias catastróficas, com as pessoas se alimentando de conteúdos que propagam a desgraça de diversos modos. Quantos mais formas de fim do mundo essa turma assiste e consome, mais essas pessoas querem se alimentar. É um tipo de droga virtual que corrói o cérebro e, quando você se depara com uma dessas criaturas, você nota que ela liga qualquer assunto ao fim de tudo. Para ela, tudo está sendo orquestrado em prol do apocalipse. É o fenômeno chamado doomscrolling, que nada mais é do que buscar notícias e conteúdos alarmantes e catastróficos através das redes por horas a fio. Há um trecho da música que resume bem esse problema.
“Então, quem se atreve a roubar por tempo emprestado?
Se este é o dia do fim, então que seja o próximo.
Guarde uma oração para o nosso fim, então você é o Anjo da Perdição.
Mas se formos todos esquecidos, seremos os próximos da fila, esperando.
Meu futuro morreu, disse o pessimista, um soco no céu da manhã.
Considere o amanhecer de um novo dia, aprendendo da maneira mais difícil.
Cultos de falso lucro, lancem alguma luz sobre mim.
Para que a miséria me faça um santo, viverei o jogo final”
Uma visão cinza de tudo
“The Dark Eternal” é uma canção que flerta com atmosferas ligeiramente mais densas e trabalhadas nas guitarras. As melodias, aparentemente suaves, carregam uma boa dosagem de melancolia até acenderem em riffs pesados, provocadores de um breve balançar de pescoços. Os vocais limpos e abafados de Jay Walsh trazem uma pitada de James Hetfield nas alamedas dos anos 90. A música em si representa um recorte da própria banda nos anos 90. Vale mencionar “Kin” (1992) e o contestado “Scourge” (1996). Considere, portanto, aquele momento de “sossego” no disco.
Os solos e as melodias são bem-feitos e colocados à mesa. Quanto à composição, ela explora o niilismo e os conflitos internos da mente humana, retratando a depressão ou a ansiedade como um “vazio eterno” que consome as forças do indivíduo. É o cenário em que nem mesmo o sucesso significa algo para alguém, pois tudo continua cinza — razão pela qual a música traz uma linha mais arrastada e entristecida do que as demais faixas.
O veneno da serpente
Mais uma vez, o guardião do Thrash inglês aparece com um arsenal bastante pesado. Afiado, como os dentes de uma cobra venenosa, o ritmo ganha ímpeto a partir de uma base inicial muito bem trabalhada. Em meio a isso, temos melodias hipnóticas e caóticas para complementar o início da jornada chamada “Snake in Waiting”. Diante de um começo impactante, o Xentrix se despede da melancolia e desafia a dentição do réptil que representa a traição e o ataque pelas costas, por assim dizer. A faixa ganha mais destaque por conta dos riffs cortantes que simulam o bote e o rastejar de uma serpente pela grama da área da floresta sem tantas árvores. Os solos realizam os ataques perfurantes e sangrentos, ao mesmo tempo em que as bases deixam a música robusta e permanente nos ouvidos de quem se deixa contaminar pelo som agressivo da banda.
A temática trabalha a metáfora da “serpente à espreita” no contexto das relações modernas e da geopolítica. A letra explora a paranoia, a quebra de confiança e os inimigos ocultos que esperam o momento exato de fraqueza para atacar. Trata-se de uma crítica ácida à falsidade e aos interesses camuflados de uns para com os outros. Quando o veneno é injetado, você perde a razão de suas escolhas e apenas obedece às ordens da serpente, não importando o lado ao qual passou a pertencer e muito menos a sua situação perante a sociedade.
Mundo doentio e insano
Com pouco mais de 2 minutos de duração, sendo a menor faixa do disco, “Where the Madness Lies” apresenta um misto de velocidade e precisão técnica. Essa receita se destaca nesta composição e a contorna até o seu desfecho. A música impõe uma velocidade controlada para que as harmonias fixem na mente do ouvinte e ele mesmo possa sentir a energia vibrante causada pelo baixista Chris Shires e pelo baterista Dennis Gasser. Novamente, os solos fazem parte do destaque, dessa vez aliados às linhas trepidantes do alicerce percussivo.
A composição investiga os limites da sanidade mental em um ambiente caótico, questionando se a loucura está na mente de quem adoece ou na própria engrenagem da sociedade contemporânea. Quem se deixa manipular acaba adoecendo por conta da própria fraqueza. Todavia, a sociedade possui vários lados corrompidos, e isso é um deleite aos líderes das nações. Bem-vindo à insanidade global.
Sem ponte para retornar
“No Bridges Left to Burn” abre o caminho como uma máquina que já está em movimento quando é observada. Essa máquina se modifica para um armamento mais direto e contínuo. Essa mudança abre caminho para outras nuances, mas já mostrando qual é o andamento principal. Em paralelo a isso, o contrabaixo de Chris Shires aparece em destaque para incrementar o recheio dessa pólvora sonora. Os riffs das guitarras funcionam como sirenes alertando sobre o perigo de algo mal traçado e que não possui mais volta. Contudo, a música traz a sensação de envolver o local com um cordão de isolamento, em alusão ao isolamento populacional e autodestrutivo. O cordão é envolto por encordoamento de aço verdadeiro e funciona como um concentrador de pressão musical ao ouvinte.
Kristian Havard entrega outro belo solo, enquanto Dennis Gasser mantém a ebulição de seu kit, preservando o ímpeto inicial. A letra aborda o ponto de não retorno de decisões extremas e impensadas. Quando o erro se manifesta, torna-se impossível contê-lo. O isolamento social e as mentiras jogadas ao vento corroem o bom convívio, alimentando a desconfiança coletiva. Além disso, a destruição de laços históricos e as guerras comerciais geram estados párias. Nesse cenário, líderes políticos se reúnem estrategicamente para confundir a população e garantir o andamento de planos maquiavélicos. Sem essas manipulações, os governantes não conseguiriam manter a sociedade dividida a ponto de as pessoas se matarem diariamente.
Apreciando o mesmo veneno
Embora a faixa final seja uma construção instrumental, “We Drink the Same Poison” surge com bastante gana e muita revolta sonora. Não pense que você encontrará melodias calminhas por se tratar de um encerramento de álbum. O que se vê por aqui é um ritmo que agrega bastante técnica e sabedoria ao distribuir cada peça em cada lugar. Como uma bela faixa instrumental, ela entrega nuances dentro das próprias linhas oferecidas. A ideia é de tornar o som cada vez mais encorpado e robusto sem que haja qualquer movimento errado dentro da proposta.
Os solos surgem como elementos que acrescentam dinamismo às bases, além dos dedilhados específicos que se encaixam nos espaço propostos. Sim, temos trechos com uma cadência maior, apesar de não ser um som com passagens tão velozes assim. Em um resumo definitivo, encerramento do álbum causa uma sensação de brutalidade e o gancho perfeito para o ouvinte querer ouvir “Allied with the Enemy” novamente.
Consideração aliadas ao X de Xentrix
Conforme dito ao começar o discorrer desta nobre epístola virtual, o Xentrix vive a sua melhor fase. Afinal, já são três álbuns acima da média e a banda inglesa se mostra com muito apetite criativo. A média está muito boa, pois são três discos qualificados, e espero que algumas músicas desse novo trabalho possam cair no gosto do público e figurar de forma permanente nos sets dos próximos shows.
Jay Walsh está com o vocal muito mais equilibrado do que outrora. O tempo lhe foi favorável, encorpando a sua voz e permitindo que ele trabalhasse melhor as suas linhas convencionais e tradicionais — o resultado é um vocal bastante identificado com o som proposto pela banda e que apenas lembra outros vocalistas, sem que haja qualquer comparação que soe como cópia. Suas bases também são cada vez mais providenciais e eficazes, enquanto Kristian Havard complementa essa parte com sabedoria.
Além disso, Havard consegue criar solos sempre de acordo com o andamento de cada música, sem que pareçam um remendo ou a continuação de algum outro solo. Chris Shires é um ótimo baixista e sabe ser discreto quando precisa, mas também se sobressai quando o seu instrumento aparece em primeiro plano. Finalizando, o baterista Dennis Gasser carimba o DNA do Xentrix com linhas que se comunicam com os outros trabalhos, além de possuir muita técnica e ser bastante criativo nos momentos-chave de cada som.
Observações:
No Metal Archives, a faixa “Where the Madness Lies” aparece na oitava posição dentro do tracklist de “Allied with the Enemy”, mas em outras plataformas, quem aparece depois de “The Dark Eternal” é a música “Snake in Waiting”. Depois, consequentemente, vem a faixa citada no início deste parágrafo. Outro ponto que diferencia as versões é o que foi destacado no texto com relação ao tempo da música. Trata-se da canção mais curta do disco e está em posição trocada. Fica como alerta ao artista para ajustar e corrigir as informações.
“Assassino desconhecido e indetectável, um ceifador de vidas à solta
Assassinato por números, seu número chegou
E agora você é o próximo a perder
O pânico tomou conta das ruas, não há lugar para andar sozinho
Seu inimigo sombrio é aquele que você teme
Aquele que você mais teme”
Nota: 8,9
Integrantes:
- Jay Walsh (vocal, guitarra)
- Kristian Havard (guitarra)
- Chris Shires (baixo)
- Dennis Gasser (bateria)
Faixas:
- Rip Saw
- Allied with the Enemy
- Killer Unknown
- On Burned Remains
- Nil by Mouth
- Doomsday Hook
- The Dark Eternal
- Snake in Waiting
- Where the Madness Lies
- No Bridges Left to Burn
- We Drink the Same Poison